El debate
sobre Johannes Vermeer de Delft se centra en la tensión entre la
precisión técnica de su obra, el floreciente contexto científico de su entorno
y las múltiples interpretaciones que intentan desvelar la naturaleza de su
arte, ya sea a través de lentes iconológicas o de la experiencia moderna.
A
continuación, se desarrolla un debate sobre la Obra, el Entorno y las
Interpretaciones de Vermeer según las fuentes:
I. Obra: Producción, Técnica y Atribución
La obra
de Vermeer se distingue por ser relativamente escasa (entre 33 y 37
cuadros conocidos), lo que pudo deberse a que trabajaba por encargo para
mecenas, más que para el mercado de arte.
A. La Maestría Técnica
Vermeer
es reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz, y por
recrear espacios interiores con una llamativa amplitud y fidelidad óptica. Los
espectadores han descubierto la minuciosidad y delicadeza de sus
pinceladas, la finura con la que distribuía los focos de luz, y la complejidad
de sus composiciones.
Un
aspecto clave de su técnica son los pentimenti o correcciones reveladas
por estudios recientes. Por ejemplo, en La Lechera, Vermeer eliminó un
estante con jarras en la pared y reemplazó una cesta de ropa llena por una
estufa de pie, cambios que aumentaron la sensación de espacio y dirigieron la
atención a la figura central.
B. Género y Evolución Temática
Vermeer
pasó de pintar temas religiosos y mitológicos en sus primeras obras (Santa
Práxedes o Cristo en casa de Marta y María) a crear su famosa
pintura costumbrista o de género. Estas escenas se centran en el protagonismo
de la mujer en escenas íntimas de la vida cotidiana (labores domésticas,
lecciones de música, lectura de cartas).
C. La Controversia de la Obra Perdida
Un debate reciente cuestiona la atribución de La Alegoría de la Pintura
- Argumento de Paul Taylor: El especialista Paul Taylor
argumenta que el término “de schilderconst” usado en el inventario de la
viuda de Vermeer de 1676 probablemente se refería a personificaciones
alegóricas de la pintura en sentido amplio, y no a representaciones de
artistas en sus estudios. Taylor está convencido de que el documento legal
de 1676 se refiere a otra pintura de Vermeer que ahora está perdida.
- Repercusión: Si se confirmara, esto
implicaría la existencia de una obra perdida de Vermeer que modificaría su
catálogo. La fragilidad de la pieza de Viena impidió su traslado a la
exposición de 2023, manteniendo vivo el enigma.
II. Entorno: Delft, Contexto y Mecenazgo
A. Delft como Centro Científico y Cultural
Vermeer
vivió y trabajó en Delft, una ciudad que en el siglo XVII se había convertido
en un centro artístico y científico floreciente. Allí se perfeccionaron
las lentes y los espejos, lo que permitió el desarrollo del telescopio y el
microscopio.
El
entorno de Vermeer incluía:
- Viviendas y el Barrio
Católico: Sus
diferentes viviendas se encontraban entre los estrechos canales de
Voldersgracht y Oude Langendijk, y frecuentaba el vecino barrio católico,
denominado el "rincón de los papistas".
- Conexiones Científicas: Su conciudadano Antoni
Van Leeuwenhoek, inventor del microscopio, fue nombrado albacea
testamentario del pintor.
- Localización de Paisajes: El punto desde el que
Vermeer pintó Vista de Delft (1660-1661) fue descubierto gracias al
plano de la ciudad de 1649, situándose al otro lado del canal De Schie.
Vermeer tomó este punto de vista, aunque distorsionó sutilmente la
vista para incluir la Puerta de Schiedam y la Puerta de Rotterdam.
B. El Mecenazgo Femenino
La
identidad del mecenas principal de Vermeer es un hallazgo reciente que redefine
su entorno de producción.
- Visión Tradicional vs. Nuevo
Hallazgo:
Durante décadas se creyó que Pieter van Ruijven era el gran mecenas de
Vermeer. Sin embargo, una nueva investigación del Rijksmuseum sugiere que Maria
de Knuijt, su esposa, fue quien realmente patrocinó al artista y
mantuvo una relación cercana con su trabajo.
- Impacto en la Obra: Maria de Knuijt adquirió al
menos la mitad de su obra total (cerca de 20 cuadros), incluyendo La
lechera y La joven de la perla. Su patrocinio coincidió con el
cambio de Vermeer hacia escenas centradas en mujeres jóvenes (c.
1657), lo que sugiere que ella pudo haber alentado el desarrollo de su
famoso estilo de pintura de género.
C. El Inventario de 1676
El
inventario de bienes de la viuda de Vermeer, Catharina Bolnes, revela detalles
del entorno íntimo del pintor en la casa de Oude Langendijk. Este documento
ofrece un contacto inmediato con el pasado.
- Taller: Menciona elementos
probables de su taller, como un caballete, telas tensadas, tablas sin
pintar, y una mesa de piedra para moler pigmentos.
- Objetos de las Pinturas: El inventario enumera
objetos domésticos que aparecen en sus obras, como las sillas españolas.
Lo más íntimo es la mención de una "chaqueta de satín amarillo con
un reborde de piel blanca", que es muy probable que sea la prenda
utilizada en al menos seis de sus cuadros, como Mujer con collar de
perlas.
III. Interpretaciones y Controversias
A. El Debate de la Cámara Oscura
El uso de
la cámara oscura es la controversia técnica más intensa, aunque la
mayoría de los especialistas concuerdan en que Vermeer la utilizó. La
controversia se debe a la ausencia de pruebas documentales.
- Evidencia a Favor (Óptica y
Técnica):
- Pointillé: La presencia de diminutas
pinceladas luminosas ("toques de oro") o círculos de
confusión (pointillés), que son efectos propios de las imágenes
proyectadas por una lente fuera de foco en un sistema óptico.
- Distorsión Perspectiva: La escala desproporcionada
de las figuras en primer plano (como la cabeza del oficial en El
oficial y la muchacha riendo), lo cual es perfectamente correcto
en un sentido geométrico para un punto de vista muy cercano, similar
a una instantánea fotográfica.
- Análisis Geométrico: Estudios de deconstrucción
perspectiva concluyeron que Vermeer no pudo construir geométricamente
la perspectiva de obras como La lección de música con
instrumentos del siglo XVII, lo que implica que debió dibujar resiguiendo
la imagen proyectada en una cámara oscura.
- Visión
Abstracta/Fotográfica: Estos efectos ópticos le dan a su pintura
una "calidad abstracta", ya que reproducen la realidad
"tal como se ve" a través del medio óptico, superando las
limitaciones de la perspectiva lineal italiana.
B. El Debate del Catolicismo: Circunstancial vs.
Esencial
El
catolicismo de Vermeer es un tema controversial reavivado por la exposición de
2023. Vermeer se casó por el rito católico en 1653 y sus hijos fueron educados
en esta fe.
- Postura Tradicional
(Circunstancial): La mayoría de los estudiosos lo consideran más
circunstancial que auténtico, señalando que solo dos de sus cuadros
son claramente católicos: Santa Práxedes (inicial) y Alegoría de
la Fe (tardía, ahora llamada Alegoría de la fe católica), y se
piensa que son obras de encargo.
- Postura Reciente (Esencial -
Gregor Weber):
Gregor Weber argumenta que el catolicismo es esencial para entender la
totalidad de su obra.
- Iconología Jesuítica: Weber sugiere que toda
la obra está imbuida de la doctrina teológico-moral jesuítica. Por
ejemplo, reinterpreta Mujer con aguamanil no solo como un elogio a
la limpieza, sino vinculándolo a la devoción a María ("fuente
de las fuentes").
- Óptica Jesuítica: Weber postula que los
jesuitas pudieron haber transmitido a Vermeer el interés por la óptica,
ya que consideraban la cámara oscura como una metáfora perfecta del
ojo de Dios y de su poder.
C. Interpretación de la Vida Corriente: Alegoría
vs. Experiencia
El debate
sobre si la fuerza de Vermeer reside en el significado oculto o en la emoción
reside en dos posturas principales:
- Alegoría y Contenido Moral: La pintura de género
holandesa, en general, utiliza símbolos para transmitir contenido moral,
como en La Lechera (virtud o deseo). La Reforma promovió la santificación
del quehacer diario, viendo la Creación como el segundo libro de Dios.
Vermeer, sin embargo, usó la alegoría con mayor sobriedad, buscando
que el naturalismo imperara.
- Experiencia y Cercanía
(Valeriano Bozal): Valeriano Bozal sostiene que las obras de
Vermeer son herméticas, ambiguas y susceptibles de múltiples
interpretaciones, sin que ninguna se imponga. Para Bozal, la fuerza de
las escenas de "vida corriente" reside en su cercanía al
espectador y en la experiencia que transmiten, no en su carga
simbólica. Esta capacidad de empatizar con personajes (como la dama
leyendo una carta) que nos son próximos es lo que convierte a Vermeer en
un pintor moderno. La lupa iconológica, aunque aporte conocimiento,
puede "romper el encantamiento" que generan sus obras.
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